Шесть известных полотен, на которых нарисовано гораздо больше, чем кажется. Про Художников и о их творчестве.Цитаты Topic каким художник изображает

Эти художники удивляют своим талантом и способами, которыми они создают свои гиперреалистичные картины. В это трудно поверить, но это не фото, а настоящие картины, нарисованные карандашом, красками и даже шариковыми ручками. Мы не понимаем, как у них это получается?! Просто наслаждайтесь их творчеством.

Омар Ортиз (Omar Oritz) - художник-гиперреалист из Мексики, бакалавр графического дизайна. Основной сюжет его картин - человеческие фигуры, в основном обнаженные женщины. На картине художник выделяет три элемента: фигуру человека, драпированные ткани, белый цвет. Особенность работ Омара - минималистический стиль, лаконизм в передаче тонких изгибов и линий тела, работа маслом.

Пол Кадден (Paul Cadden) - современный художник мирового уровня из Шотландии. Для своих работ Пол использует лишь белый мел и графит, с помощью которых может воссоздать практически любую фотографию, уделяя внимание незаметным мелким деталям. Как признается сам художник, он не придумывает новых деталей, а лишь подчеркивает их, тем самым создавая иллюзию новой реальности, которую зачастую не видно на оригинальных фотографиях.

Камалки Лауреано (Kamalky Laureano) - художник родился в Доминиканской Республике в 1983 году, в настоящее время живет и работает в Мехико. Камалки окончил школу дизайна и искусств, специализируется на создании гиперреалистичных портретов. Сюжеты сложно отличить от настоящих фото, хотя они написаны акриловыми красками на холсте. Для автора его работы - не просто подражание фотографиям, а целая жизнь, воплощенная на холсте.

Грегори Тилкер (Gregory Thielker) - родился в Нью-Джерси в 1979 году, изучал историю искусств и живопись в Вашингтонском университете. Переезд в Бостон стал отправной точной в его работе над гиперрреалистичными городскими пейзажами, которые сделали его знаменитым на весь мир. Картины Тилкера - это путешествие на машине в холодный дождливый день. Вдохновленный работами художников 70-х, автор создает свои реалистичные картины при помощи акварели и масляных красок.

Ли Прайс (Lee Price) - художница из Нью-Йорка, окончила университет по специальности живопись, занимается фигуративной живописью. Основной сюжет работ Ли - непростое отношении женщин к еде. Зритель словно со стороны наблюдает за женщинами, которые в тайне едят что-то вкусное, но вредное. Сама художница говорит, что в своих работах пытается показать тот факт, что женщины наделяют еду не присущими ей качествами, ищут утешение в неподходящем источнике. На картинах передана абсурдность ситуации, попытка сбежать от реальности, облегчить неприятные ощущения.

Бен Вайнер (Ben Weiner) родился 10 ноября 1980 года в Бёрлингтоне, Вермонт, окончил университет искусств, рисует маслом на холсте. Особенность работ художника - необычный сюжет. Бен рисует краски! Сначала художник наносит краски на рабочую поверхность, фотографирует их, а затем с готового фото пишет картину на холсте .

Родился в 1950 году в Северной Калифорнии, известен своими реалистичными акриловыми изображениями на холсте. В детстве автор делил любовь к рисованию с успехами в спорте, но травма спины определила основной род деятельности Рэя. Как признался художник, рисование отвлекало его от постоянных болей в спине. Мастер еще в юные годы получил широкое признание и множество наград на художественных конкурсах.

Алисса Монкс (Alyssa Monks) живёт и создает свои картины в Бруклине, приобрела широкую известность благодаря своим реалистичным «мокрым» картинам. Художница использует такие фильтры, как вода, стекло или пар для создания абстрактных конструкций. Для работы Алисса часто использует фотографии из личных архивов родных и друзей. Женские лица и фигуры на картинах похожи между собой - художница часто рисует автопортреты, так как утверждает, что ей так «проще» создавать необходимый сюжет.

Педро Кампос (Pedro Campos) - гиперреалист из Мадрида, начал писать картины маслом лишь в возрасте 30 лет. Свои реалистичные натюрморты художник создает при помощи масляной краски. Кампос работал дизайнером интерьеров, иллюстратором, художественным реставратором мебели, скульптур и картин. Художник считает, что именно работа реставратором помогла ему отточить свое мастерство.

Дирк Дзимирский (Dirk Dzimirsky) - художник из Германии, родился в 1969 году, получил художественное образование, работает в карандашной технике. Художник рисует картины с фотографий, не вдаваясь в мельчайшие подробности, много импровизирует. Дирк говорит, что работая над картиной, он представляет живую модель, поэтому фото он использует лишь для доскональной передачи заранее установленных пропорций. Своей главной задачей автор считает создание ощущения присутствия субъекта на картине.

Томас Арвид (Thomas Arvid) - американский художник-гиперреалист из Нью-Орлеана, который родился и вырос в Детройте, не имеет никакого формального образования, мастер так называемого «негабаритного» натюрморта. Его серия реалистичных картин «Винный погреб» - это пробки, бутылки, бокалы с искрящимися или густо-красными напитками. Авторитетные критики и издания отметили более 70 работ художника. Картины мастера украшают не только стены виноделен и престижных винных салонов, но и частные коллекции и галереи.

Робин Элей (Robin Eley) родился в Британии, вырос и продолжает жить и работать в Австралии, имеет степень бакалавра изобразительных искусств, награжден Национальной портретной премией Doug Moran. Свои гиперреалистичные картины он создает маслом, а основным «коньком» считает сюжет «люди и целофан». Мастер работает над одной картиной примерно 5 недель по 90 часов в неделю, практически каждая картина изображает людей, обёрнутых в целлофан.

Сэмюэль Сильва (Samuel Silva) - португальский художник-любитель без специального образования, который на личном примере доказывает, что создать шедевр можно из чего угодно. При создании картин художник использует палитру из восьми цветов шариковых ручек от фирмы Bic. По профессии Сильва юрист, а свое увлечение рисованием считает не более чем хобби. Сегодня известный во всем мире художник-самоучка осваивает новые техники живописи при помощи красок, мела, цветных карандашей, пастели и др.

Готфрид Хельнвайн (Gottfried Helnwein) - австрийский художник, автор гиперреалистичных картин на социальные, политические и исторические темы, «мастер неожиданного узнавания», как назвал его писатель У. Берроуз. Автор получил образование в Венской академии изобразительных искусств, относится к художникам высокого профессионального уровня. Славу ему принесли в некоторой степени спорные сюжеты, сюрреалистические композиции. Нередко мастер изображал на своих картинах героев комиксов и признается, что «узнал от Дональда Дака больше, чем во всех школах, в которых учился».

Франко Клун (Franco Clun) - итальянский художник-самоучка, который всем другим художественным техникам предпочитает рисунок графитом. Его черно-белые реалистичные картины - это результат самостоятельного изучения Франко различной литературы по технике рисования.

Кельвин Окафор (Kelvin Okafor) - художник-гиперреалист, родился в 1985 году, живет и работает в Лондоне. Кельвин получил образование по специальности изящное искусство в Middlesex University. Свои картины автор создает простым карандашом, основная тематика его работ - портреты знаменитостей.

Эми Робинс (Amy Robins) - британская художница, которая для своих гиперреалистичных работ использует цветные карандаши и плотную бумагу. Художница имеет образование в области искусства и дизайна, степень бакалавра изобразительного искусства, живет и работает в Бристоле. Про молодого автора известно мало, но ее работы уже успели прославиться на весь мир, поражая своей реалистичностью и техникой исполнения.

Роберт Лонго (Robert Longo) - американский художник и скульптор, родился в Бруклине в 1953 году, награжден легендарной премией Goslar Kaiser Ring. Свои трехмерные изображения ядерных взрывов, смерчей, ураганов и акул художник рисует углем на бумаге. Лонго часто называют «художником смерти». Знаменитая картина Untitled (Skull Island) с изображением волны была продана на аукционе Christie’s в Лондоне за $392 тыс.

Диего Фацио (Diego Fazio) - художник-самоучка, родился в 1989 году в Италии, не имеет художественного образования, начинал с разработок эскизов для татуировок, со временем разработал свою технику рисования. Молодой художник был участником многих международных конкурсов, где занимал призовые места, представлялся на выставках по всему миру. Художник работает под псевдонимом DiegoKoi.

Брайан Друри (Bryan Drury) родился в 1980 году в Солт-Лейк-Сити, имеет диплом об окончании Нью-Йоркской Академии Искусств, создает картины в жанре реализма. Свои картины художник пишет при помощи масляных красок. Как признается автор, в своих работах он пытается фокусироваться на органических качествах кожи, ее недостатках.

Стив Миллс (Steve Mills) - американский художник, который в 11 лет продал свою первую картину. Свои картины художник создает масляными красками, акцентируя внимание на мельчайших деталях повседневной жизни, которые мы зачастую не замечаем в вечной спешке. Художник отмечает, что изображает предметы такими, какие они есть в реальной жизни, без изменения и преувеличения их первоначальной формы.

Пол Лунг (Paul Lung) родился в Гонконге, рисует автоматическим карандашом на листах формата А2. Особенность техники создания картин - принципиальный отказ от использования ластика, все работы рисуются начисто. Главные «музы» художника - кошки, хотя он рисует и людей и других животных. На каждую работу у автора уходит не меньше 40 часов.

Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) родился в Италии, увлекся гиперреализмом в 19 лет, работал в качестве реставратора в церкви Сан-Франческо. Для создания картин использует масляные краски. Мировую славу художнику принесла серия работ, изображающая предметы, характерные для общества потребления. Картины со сладостями, торговыми автоматами, полками холодильника - визитная карточка художника, хотя в его арсенале есть пейзажи, натюрморты и многое другое.

Хуан Франсиско Касас (Juan Francisco Casas) - испанский художник, который создает свои картины обычной шариковой ручкой марки Bic. Касас был традиционным художником, который решил доказать окружающим, что важен не материал для работы, а способ и техника рисования. Первая же выставка креативного испанца принесла ему мировую славу. В основном на картинах Касаса изображены его друзья.

Тереза Эллиотт (Teresa Elliott) – американская художница, которая до создания реалистичных картин маслом, на протяжении 26 лет успешно работала иллюстратором. Тереза имеет степень бакалавра изящных искусств, вернувшись к классическому искусству, стала знаменита во всем мире благодаря своим правдивым до мельчайших деталей портретам.

Великие художники не только размашисто подписывали свои картины, но и рисовали скрытые автопортреты на своих творениях. Некоторые изощрялись настолько, что изображали себя в графине вина, другие просто рисовали себя в толпе, а один из них даже нарисовал себя в женской ипостаси.

“Вакх” Микеланджело Меризи да Караваджо

На картине “Вакх”, написанной в 1595 году Микеланджело Меризи да Караваджо, изображен античный бог виноделия, вдохновения и религиозного экстаза. Молодой парень с листьями и виноградными ягодами в волосах, томно протягивает зрителю неглубокий бокал вина, словно приглашая присоединиться к нему. Караваджо, создавая эту картину, хотел уйти от идеализированного образа античного бога — чтобы опустить Вакха на землю, художник изобразил у него грязь под ногтями, а также поставил рядом тарелку с гниющими фруктами.

Но вечная тема земного и божественного не единственное, чем эта картина так примечательна. После очистки полотна, при помощи рефлектографии, в отражении на стекле графина, в левом нижнем углу, обнаружили автопортрет Караваджо. Художник изобразил себя работающим за мольбертом. Также, после того как убрали слои пыли, стало возможным разглядеть на поверхности вина в чаше отражение лица Вакха.

“Поклонение волхвов” Сандро Боттичелли

Картину “Поклонение волхвов” Сандро Боттичелли написал приблизительно в 1475 году по заказу флорентийского банкира Гаспаре ди Дзанобе дель Ламы, члена гильдии искусств и ремёсел города Флоренции. Творение Боттичелли предназначалось для погребальной часовни в базилике Санта-Мария-Новелла.

Для многих искусствоведов эта картина примечательна тем, что на ней можно найти изображение целого ряда исторических персонажей. Например, художник изобразил своего заказчика справа в голубой мантии, указывающим на себя и смотрящим прямо на зрителя. Старший из волхвов, который склонился на колени перед младенцем, — это Козимо Медичи, основатель династии правителей Флоренции и дед Лоренцо Великолепного. В самом центре, спиной к зрителю, — мужчина в красной одежде, Пьетро Медичи, сын Козимо и отец Лоренцо. Сам же Лоренцо Великолепный изображен, как считают искусствоведы, в профиль, в черно-красной мантии. Слева, на переднем плане, скрестив руки на рукояти меча, стоит Джулиано Медичи, родной брат Лоренцо и возлюбленный , девушки, которая позировала Боттичелли во время создания картины “Рождение Венеры”. Ну и наконец, самый крайний справа молодой человек, который смотрит вам прямо в глаза, — автопортрет самого Боттичелли.

Картину можно увидеть во Флоренции, в галерее Уффици.

“Сад земных наслаждений” Иеронима Босха

“Сад земных наслаждений” — это триптих, написанный мастером гротеска Иеронимом Босхом (настоящее имя Ерун Антонисон ван Акен). Некоторые считают художника сюрреалистом XV века, другие уверены, что Босх был приверженцем катарской ереси , а третьи — что картины живописца отражают средневековые “эзотерические дисциплины”: астрологию, чёрную магию, и алхимию. Каждое полотно пропитано огромным количеством символов, которые тяжело считать нашим современникам.

На левой створке триптиха изображён Бог, который представляет Еву Адаму в безмятежном Раю. Посередине триптиха изображены сцены из сада наслаждений, где люди и фантазийные животные предаются мирским утехам. Ну а на правой части картины изображены сложные машины для пыток, чудовища и он сам, художник с телом, похожим на скорлупу, который ехидно улыбается всему этому Аду.

Картина хранится в музее Прадо в Мадриде.

“Страшный суд” Микеланджело

“Страшный суд” Микеланджело изображен на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане. Художник работал над фреской, главной темой которой стало второе пришествие Христа и апокалипсис, на протяжении четырех лет, с 1537-го по 1541-й. Искусствоведы считают, что это произведение завершило эпоху Возрождения и открыло новый период разочарования в философии антропоцентрического гуманизма.

У ног Христа Микеланджело поместил Варфоломея, которого можно узнать по ножу в руке. Он держит содранную кожу, на которой, как считают искусствоведы, художник нарисовал свой автопортрет. Некоторые уверены, что Варфоломей очень похож на Пьетро Аретино, врага Микеланджело, оскорбившего его. Так художник видел свое искупление. Другие же считают, что Микеланджело изобразил себя на содранной коже в знак того, что он не хотел заканчивать фреску и исполнял этот заказ Папы под особым принуждением.

Фреску можно увидеть в Сикстинской капелле, в Музее Ватикана.

“Мона Лиза” Леонардо да Винчи

Созданная Леонардо да Винчи "Мона Лиза", наверное, самая обсуждаемая картина во всем мире. Сейчас она висит под непробиваемым стеклом в Лувре, а когда-то украшала ванную комнату Наполеона. В этом творении да Винчи засекречена тайна, которую искусствоведы никак не могут разгадать: некоторые предполагают, что ухмылка Джоконды — это улыбка беременной женщины, которая уловила движение плода, другие — что это улыбка возлюбленного Леонардо Джакомо Салаи, психиатры видят в выражении лица Моны Лизы шизофрению, а стоматологи уверены, что это улыбка беззубой женщины.

Еще одна из гипотез заключается в том, что изображенная девушка с ухмылкой — сам Леонардо да Винчи. Сравнение на компьютере анатомических особенностей лица художника и натурщицы показало, что геометрически они идеально совпадают. Вы сможете убедиться в этом сами, сопоставив Мону Лизу и автопортрет да Винчи, который художник выполнил в красном карандаше.

Картина находится в Лувре, в Париже.

“Афинская школа” Рафаэль Санти

Рафаэль Санти, создавая фреску “Афинская школа”, кого только не изобразил на ней: и вышеупомянутого Леонардо да Винчи в образе Платона, и Микеланджело в образе Гераклита, и Сократа, и Александра Македонского. Не забыл Санти и себя нарисовать рядом с живописцем Содомой, который начал работу над фреской до него. Всего на картине представлено свыше 50 человек.

Основная идея фрески “Афинская школа” — возможность гармонического согласия между различными направлениями философии и науки. Кстати, именно эта концепция принадлежит к числу важнейших идей гуманистов. Рафаэль Санти под сводами Ватиканского дворца изобразил по сути идеальное сообщество мыслителей классической эпохи. В центре композиции находятся Аристотель и Платон, которые олицетворяют собой античную мудрость и представляют две школы философии.

Фреска находится в Ватиканском дворце.

“Портрет четы Арнольфини” Яна ван Эйка

“Портрет четы Арнольфини” Яна ван Эйка еще одна трудноинтерпретируемая картина Возрождения — споры о том, кто же изображён на ней, продолжаются и по сегодняшний день. Самая распространенная версия, что на полотне художник нарисовал купца Джованни ди Николао Арнольфини и его жену — предположительно, в их доме в Брюгге.

Но больше всего в этом произведении нас интересуют не персонажи переднего плана, а кто изображен в зеркале на стене, которое расположено на центральной оси композиции, прямо над руками персонажей. Если вы присмотритесь, то увидите фигуры со спины в красном и синем костюмах. Судя по силуэтам их одежды, это мужчина и женщина. К сожалению, черты их лиц невозможно разобрать. Большинство искусствоведов уверены, что надпись над зеркалом, которая гласит "Ян ван Эйк здесь был", прямо говорит о том, что один из стоящих на пороге комнаты — сам художник.

Картина находится в Лондонской национальной галерее.

Для многих кажется непосильной задачей запомнить художников и их картины. За сотни лет история вписала имена многих художников, имена которых на слуху, в отличии от картин. Как запомнить особенность художника и его стиль? Мы подготовили краткую характеристику для тех, кто хочет разбираться в изобразительном искусстве:

Если на картинах изображены люди с большими задницами, будьте уверены – это Руббенс

Если люди в красивых одеяниях отдыхают на природе – Ватто

Если мужчины похожи на кудрявых женщин, с волоокими глазами – Это Караваджо

Если на картине с темным задним фоном изображен человек с блаженным выражением лица или мученик – Тициан

Если картина содержит многофигурные композиции, множество людей, объектов, христианские и сюрреалистические мотивы – это Босх

Если картина содержит многофигурные композиции и сложные сюжеты, но выглядят они реалистичнее чем картины Босха, будьте уверены – это Брейгель.

Если вы видите портрет человека на темном фоне в тусклом, желтом свете – Рембрант

Библейские и мифологические сюжеты с изображением нескольких пухленьких амуров – Франсуа Буше

Голые, накачанные тела, идеальные формы- Микеланджело

Нарисованы балерины, это – Дега

Контрастное, резкое изображение с изможденными и бородатыми лицами – Эль Греко

Если на картине изображена девушка с монобровью – это Фрида

Быстрые и светлые мазки, яркие краски и изображение природы – Моне

Светлые краски и радующиеся люди – Ренуар

Ярко, цветасто и насыщено – Ван Гог

Смурые цвета, черные контуры и грустные люди – Мане

Задний фон как из фильма “Властелин Колец”, с легким синим туманом. Волнистые волосы и аристократический нос Мадонны – Да Винчи

Если тело изображенное на картине имеет необычную форму – Пикассо

Цветные квадраты, как exel-евский документ – Мондриан

зашел разговор о том, как разные художники изображают одну и ту же тему.
Дано: две картины на тему того, как белые на кораблях бежали из большевистской России.

а) Иван Владимиров (1869−1947). "Бегство буржуазии из Новороссийска" (1926)

б) Дмитрий Белюкин (р. 1962). "Белая Россия. Исход". 1992-4

Какая из них исторически верно изображает событие? Кому из этих художников стоит верить? -- спорят комментаторы.

Вот давайте на примере них (а также других картин) разберем, что такое вообще "правда" в картинах, и кому стоит верить.
Как выяснилось, некоторые это не понимают.

Итак, чтобы как следует насладиться смыслом произведения искусства, его историей и т.п. (а не только отдельно эстетическим совершенством, гармонией), весьма полезно понять, какова была ЦЕЛЬ художника, создававшего эту работу.

1) Выразить себя
(самолюбование, любование любимыми вещами)

Я ставлю это на первое место в списке, потому что в 20-21 веке эта цель для художников ощущается публикой (да и самими художниками, пожалуй) как приоритетная.

Общество в этот период стало такое богатое, образовался такой избыток ресурсов, что искусством может заниматься огромное количество народу, и профессионалы, и непрофессионалы. Все, кому просто нравится рисовать (писать стихи, музыку, делать фоточки в инстаграмм и т.п.). Подывитесь, как я умею лепить пельмени / рисовать клоунов / вышивать гладью и т.п., какая я красивая, и мои дети, и моя яхта.

Однако при применении произведений абсолютно любого вида искусств внутрь (живопись, литература и т.п.) ОБЯЗАТЕЛЬНО помните, что эта свобода, эта цель, это представление об искусстве как о "инстаграмме художника" -- это достижение, которое стало доступным создателям только в Новейшее время. В предыдущие века, чем дальше -- тем сильнее, такая позиция была недопустимой, распущенностью, воспринималась как ярмарка тщеславия. Ни в коем случае, глядя на произведения "старых мастеров", не судите их с позиции "он это сделал, потому что ему так хотелось". Конечно, не хотелось бы -- он бы не делал, но примерно до эпохи импрессионизма это "хотелось" плетется в списке целей при создании произведения искусства очень-очень в хвосте . Не судите по себе, с позиции человека 21 века.

2) Выразить своих внутренних демонов
(или эротические фантазии)

А вот это, наоборот, классическая цель искусства, одна из древнейших.
Первой общественной целью создания искусства, скорей всего, была религиозная (шаманство на хорошую охоту на мамонта, погребальные ритуалы и т.п.), а вот индивидуальная, личная цель первых авторов наверняка тоже было выразить свои эмоции, страхи, мечты.

Но и тут очень важная черта, которая отличает человека Новейшего времени -- и человека прошлого, художника модернизма (это начиная с импрессионистов) -- опять-таки степень свободы выражения этих фантазий.

Упрекать авангард и современное искусство за то, что они непонятные и не реалистичные -- не стоит; с ними это случилось, потому что сама жизнь в ХХ веке глобально изменилась. Вот смотрите, произошла Сексуальная Революция, и стало возможно ходить по улицам практически в одних трусах, а то и без трусов. Ну а искусству -- как на это обрушившуюся свободу реагировать, на появившиеся возможности делать все, что хочешь? Женщин без трусов в искусстве совершенно свободно художники уже пятьсот лет рисуют, этим никого не удивишь. Так что сексуальная революция в изобразительном искусстве выразилась в отказе от реалистичности, натуроподобия; собственно, ото всех правил изобразительного искусства, предыдущие пятьсот лет выдумывавшиеся. Это совершенно нормальная реакция художников на то, что глобально происходило в обществе вообще. Они что, рыжие, оставаться приличными, когда все вокруг делают что хотят?

Итак, помните, художник прежних веков, выражая своих демонов, имел четкие границы, навязанные ему обществом. И чтобы выразить это, ему необходимо было отыскать правильную, дозволенную цензурой (социумом) нишу, приличную нишу.
Как правило, это были всякие ужасы религиозного искусства.

В случае эротических фантазий было проще -- они не табуировались искусством (за исключением откровенной порнухи, а также чересчур реалистичных мелочей типа лобковых волос).

Свобода начинает появляться по мере развития личности автора, индивидуальности, когда художник перестает ощущать себя ремесленником и становится "поэтом". Так в конце 18 века мы получаем миражи Гойи, Уильяма Блейка, Фюссли и т.п., всякий романтизм. А так индивидуальность поощрялась не всегда, например, на средневековом религиозном искусстве ставить авторскую подпись в некоторые эпохи было попросту неприлично (поэтому мы знаем так мало мастеров этих эпох).

В общем, не стоит мерять по себе, надо пытаться интерполировать.

3) Деньги

Тоже старинная цель создания произведения, аналогичным образом крайне популярная.
Очень-очень достойная цель. Именно она заставляет художников все-таки доделывать свои работы до конца, потому что иначе заказчик не заплатит, именно она заставляет людей вставать с печи и искать работу, чтобы кормить деток, совершенствовать свои навыки и не превращаться в УГ.
Потому что рынок всегда диктует (диктовал), и плохие картины никто не покупал.

(Представляете, как бы было бы круто, если бы Леонардо да Винчи платили только по факту, да еще он 10-летнюю гарантию был бы обязан предоставлять? Он бы применил свой острый разум к вопросам сохранности, и до нас бы намного больше дошло... Но увы, он успел прокачать свой личный бренд, и ему платили попросту за имя).

Но опять-таки, вы должны понимать разницу между художником-модернистом и "старым мастером". Экономика очень изменилась, и это влияет. Экономика и технический прогресс. Создание картины было в первую очередь ремеслом, работой, а не полетом мысли гения. Возьмем архитектуру, она более неизменна в этом смысле: вот вы решили построить себе особняк. Пошли к архитектору, выразили свои пожелания, подписали контракт. Он нарисовал эскиз, утвердили, построили дом из кирпича, отделали мрамором, заплатили архитектору, далее применяете дом по назначению. То же самое с живописью было: 1311 год, община собора решила заказать алтарный образ, скажем Дуччо , выразил пожелания, подписала по пунктам контракт. Дуччо берет дорогостоящую деревянную доску, идеально подготовленную, да еще огромного размера и сложной формы. Краски: толченый лазурит, нежно-голубой, привезли из Индии, и он стоит адских денег; позолота тоже как-то не дешевая, и т.п.

Нормальный архитектор посреди возведения особняка не станет вдохновенно менять концепцию, потому что он Автор, Творец, ему так захотелось, он знает, что этот банкет не за его счет. Художник тоже был обязан просто выполнить свою работу хорошо, сдать заказ вовремя (современные дизайнеры сейчас поймут. А еще пусть позавидуют: в те времена не было емейлов, поэтому никто не мог часто просить "поиграть шрифтами").

Рынок искусства долго шел к привычной нам сегодня киношной ситуации: когда сидит такой гениальный художник в мастерской, заваленной его шикарными картинами. Тут к нему заходит знакомый и приводит своих богатых американских друзей, которые в восторге говорят: "а мы вот это берем, и вот это, и вот это! а еще что у вас есть, заверните!".
Перед этим была еще одна стадия, которую можно сравнить уже не с архитектурой, а с тортами. Вот у тебя есть домашняя пекарня и деньги на сырье для 10 тортов. Конкретных заказчиков, которые подписали с тобой контракт на твои торты нет, но ты знаешь, что в принципе люди к тебе идут. Ты не будешь делать 20 тортов, потому что столько покупателей до тебя не доходит. Ты обязан продать все, что испек, иначе у тебя не будет денег на покупку нового сырья. Понимаете, краски стоили дорого, холсты стоили дорого (но дешевле, чем старомодная древесина, в след. раз подробно раскажу), снимать мастерскую - дорого, . В 17 веке в Голландии почему так активно "малые голландцы" писали натюрморты, бытовые сценки и пейзажи? Потому что страна стала очень зажиточной, и каждый местный житель мог себе позволить (и позволял) придти в "магазин готовых картин" и выбрать себе красотищу на стену. Соответственно, возникла очень толстая прослойка художников, обслуживающих этих бюргеров.

Ну и наконец в 19 веке появляется тот образ жизни художника, который нам кажется хрестоматийным: с кучей холстов, написанных "в стол", которые хорошо бы продать, но можно и не, все равно найдется, что покушать, а по стенам оно пусть висит непроданное.
Я нарочно не останавливаюсь на социальных, идеологических, психологических аспектах, только про экономику.
Художники стремились в Париж не только потому, что там прикольно было тусить, но и потому что в городе образовалась среда по их обслуживанию: торговцы красками и холстами (заказывают оптом, поэтому продают дешевле), много мансард под аренду, натурщицы целенаправленно приезжают на заработки, покупатели целенаправленно приезжают покупать и проч.
Сегодня это вообще стало настолько дешево, что любой может заниматься искусством, а зарабатывать совсем другим (возможно, поэтому мы и имеем столько фигни в итоге?)

Итак, чтобы понять, зачем нарисована картина, попытайтесь разобраться в этом с точки зрения денег -- художник писал ее по конкретному заказу? просто на продажу бюргерам, в стол (потому что на него накатило), в подарок маме или для чего?

4) Слава
(и конъюктура)

Тоже очень понятный мотив. Правда, не очень древний, помните об этом. Художники начали руководствоваться целью получить Славу при создании произведений искусства только начиная с определенного периода (просто Славу, а не репутацию+много клиентов). В средние века, как я говорила, живопись была просто ремеслом, таким же, как ювелирное дело или мебельное. В эпоху Ренессанса художники начинают поднимать голову и постепенно, силами примкнувшей пишущей интеллигенции (например, Вазари), создавать вокруг своего занятия культ, превращая его из ремесла в Искусство. Подписывать свои имена становится нормой. Постепенно (медленно) быть художником становится круто (хотя высшее общество все равно их не особо принимает). Аналогичный процесс с актерством -- во все времена это низший обслуживающий персонал, который запрещают хоронить в освященной земле и расценивают наравне с блудницами; ныне же они стали селебрити королевского ранга.

В общем, в творчестве многих художников встречаются программные произведения, которые автор написал без конкретного заказа со стороны мецената, а просто потому, что к нему пришло Вдохновение. Создавя его, он четко понимал (ну хотя бы надеялся), что им он "вмастит", прославится. Если звезды сходятся, и в картине удалось соединить эстетику (красоту) с этим неуловимым, витающим в воздухе, то картина начинает греметь. И действительно входит в историю, как шедевр. (Внимание, дети: шедевр -- это не синоним слова "картина", художник за жизнь может написать 200 полотен и всего 1 шедевр, и помнить его будут только из-за него).

Написано спустя несколько месяцев после изображенного события.

Великие художники -- это как раз те, кто умеет хорошо рисовать (анатомически правильно, гармонически сочетать цвета и т.п.) + одновременно с этим чувствует Дух времени, и умеет его отражать. Поэтому в поколении может быть много хороших рисовальщиков, но мало истинно великих мастеров (даже вот в Ренессанс). На некоторых находит только 1 раз в жизни, и они создают этот "остростильный шедевр" (например, "Неравный брак" Пукирева, или ). Другие, как Давид или Репин, постоянно будут производить такие шлягеры. Не надо думать, что художник садится на стул и говорит "сейчас я нарисую шедевр и им заслужу себе славу". Так оно, конечно, не работает. У художников (писателей, музыкантов) этой высокой категории мастерства шедевры рождаются благодаря сочетанию отличных врожденных способностей, постоянных упражнений (прокачивания навыков). А также из-за неимоверно развитой интуиции. А интуиция, как известно, прокачивается, если повторить что-либо миллион раз, тогда мозг делает резкий качественный скачок, и начинает выдавать результаты быстро и спонтанно. И автору результата кажется, что мозг никакую рабоут собственно и не проделывал, оно с неба спустилось -- так и было придумано выражение, что автора посетила Муза.

В общем, художники этого левела пишут картины уже не ради Славы, и не чтобы избавиться от своих демонов, а по более сложным причинам. Они становятся будто радиоприемник, улавливающий ожидания окружающего социума, а также окружающей художественной общественности, того стиля, который сейчас моден и проч. -- и умудряются вываливать это все на полотно, пропустив через себя.
Так и получается шедевр.
Записывайте, не пытайтесь повторить в домашних условиях.

И сюда же, в эту категорию целей, следует включить более практичных художников, которые осознанно ловят волну, радиосигналы, посланные социумом (но в первую очередь государством). И производят картины не то, чтоб прославиться (и войти в историю искусств), а больше для того, чтобы хорошо жить и иметь всякие ништяки. В некоторых случаях такая конъюктурщина, раболепие -- это личный выбор автора, либо вообще норма для той эпохи (см. оды Державина, посвященные императрице). В 20 веке, в условиях тоталитарных государств, как вы понимаете, вопрос был не только в получении денег, а иногда банально в выживании. Но, как показывают многочисленные психологические исследования всяких стокгольмских синдромов, самое ужасное, что люди, в том числе художники, начинают искренне верить и прославлять. Так что оставаться хладнокровным конъюктурщиком в таких условиях -- быть может, не такой уж плохой вариант, а?

5) Проповедь

И вот, самые терпеливые и умные из моих читателей, добравшиеся до этого места моей простыни, теперь, когда вы поняли про фундаментальные, базовые цели, мы добрались до той, которая связана с двумя картинами про белых в Крыму, с которых начался этот текст.

Эта цель произведения искусства -- выразить идеи автора, его представление о мире, о том, что правильно и неправильно. Пропустим первую пару тысяч лет, там все просто: это когда художник верил в богов, а потом в Бога, и выражал свою веру, молитву, создавая "икону", молельный образ, и постигая таким образом Господа. Хорошие иконописцы и сегодня продолжают это делать. Нам же нужно Новое время, когда проповедывать искусством становится возможным не только веру. Выше я написала, что начиная с Ренессанса художники постепенно превращаются в сознании публики из ремесленников в Творцов, их фигуры романтизируются. Художники становятся Личностями, селебритис, самое главное -- что и в своей голове тоже; они решают, что являются арбитрами мнений и должны учить людей истине, проповедовать. (Почему бы и нет? Главное, чтоб со вкусом, но не у всех же получается).

Итак, у искусства появляется Миссия.
(Кстати, про то, какие цели бывают у искусства, надо поговорить отдельно -- они совершенно не совпадают с целями художников).

И вот понимаете, какая штука. Одно дело, когда "проповедями" занимались художники с мощной школой, стоящие на плечах гигантов. И то эти произведения 19 века иногда раздражают, уж больно поменялась мораль, да и история преподнесла всякие уроки.
А вот в 20 веке почему-то особенно полюбили этим заниматься художники -- Васильев, Глазунов, Рыженко, Нестеренко... И если пройтись по данному списку с самого начала, то получается интересная ситуация. Тема себя любимого (кошечек, детей) им не интересна -- мелко, их тянет к глобальным свершениям. Демонов и эротических фантазий у них нету либо они совсем не интересные (а это сразу лишает творчество перчинки, см. Константин Васильев, который в отличие от других мною перечисленных все-таки имеет свои фетиши, и как это позитивно его выделяет, делает особенным, запоминающимся).

Paintings and painters

Art has always been a way of understanding the world and expressing feelings and emotions. There are many different forms of art and painting is only one of them.
Horace said that a «picture is a poem without words» and indeed it is so. Throughout centuries many techniques have developed to allow artists to transform their feelings into images on canvas.
Russian painters represent Russian art which is in many ways unique and has always impressed people around the world. It originates from the world-known icon-painters, the most renowned of whom is Andrey Rublyov.
Many Russian painters praise the beauty of the Russian nature in their works. Ivan Shishkin is especially famous with his canvases representing Russian forest (e.g. «Morning in the Pine Forest») while Isaac Levitan derived inspiration from the Russian autumn.
The Peredvizhniki included artists of the XIX century. One of them was Ilya Repin who is an artist celebrated for his large canvases like «Ivan the Terrible and his Son Ivan» or «Barge Haulers on the Volga». Victor Vasnetsov chose the folk Russian style for his «Bogatyrs» and Mikhail Vrubel is noted for originality of thought. His «Demon» is the fruit of his fantastic imagination.
Ivan Aivazovsky gained a world-wide fame by his romantic paintings representing sea. «The Ninth Wave» is a masterpiece revealing the beauty of the mighty sea on a stormy day.
Russian Art is exhibited in The State Russian Museum in Saint-Petersburg. And in the department of English Art in the Hermitage you can enjoy some of the masterpieces of the British painters.
One of the most famous of them is John Constable - an English Romantic painter who is principally known for his landscape paintings of Dedham Vale, an area near his house in Suffolk which is now known as «Constable Country».
William Turner was a landscape artist whose style can be said to have laid the foundation for Impressionism.
William Hogarth is renowned not only for his portraits but also for the series of paintings with satiric details characterizing English high society, in the 1740s.
Thomas Gainsborough is one of the most famous portrait and landscape painters of XVIII century Britain. In the National Gallery, London, you can see colorful painting «Mr. and Mrs. Andrews» which is a combination of family portrait and landscape, and dark portrait of «Mr and Mrs William Hal-lett» that exemplifies Gainsborough"s mature style.
William Blake is an English poet and painter. Largely unrecognized during his lifetime today, his works considered significant in the history of both poetry and the visual arts. His paintings may seem very unusual and fantastic. For example, he depicted Isaac Newton as a divine geometer.

Картины и художники

Искусство всегда было способом понимания мира и выражения чувств и эмоций. Существует много форм искусства, и живопись только одна из них.
Гораций говорил, что «картина - это стих, только без слов» и это на самом деле так. С веками получили развитие разные техники, позволяющие художникам превращать свои чувства в образы на холсте.
Русский художники представляют русское искусство, которое во многом уникально и которое всегда поражало людей во всем мире. Оно ведет свое начало от всемирно известных иконописцев, самый знаменитый из которых это Андрей Рублев.
Многие русские художники воспевают красоту русской природы в своих работах. Иван Шишкин особенно известен своими полотнами с изображением русского леса, как например «Утро в сосновом лесу», в то время как Исаак Левитан черпал вдохновение в русской осени.
Передвижники включали в себя художников XIX века. Одним из них был Илья Репин - художник знаменитый своими большими полотнами, такими как «Иван Грозный и сын его Иван» или «Бурлаки на Волге». Виктор Васнецов выбрал русско-народный стиль для своих «Богатырей». Михаил Врубель известен оригинальностью мысли. Его «Демон» - это плод фантастического воображения.
Иван Айвазовский получил мировую славу благодаря своему романтическому изображению моря. «Девятый вал» - это шедевр, открывающий красоту морской мощи в шторм.
Русское искусство представлено в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге. А в отделе Английского искусства в Эрмитаже вы можете насладиться некоторыми шедеврами британских художников.
Один из самых знаменитых из них является Джон Констебль - английский живописец-романтик, известный, главным образом, своими пейзажами долины Дедхэм Вэйл - местности вблизи его дома в Саффол-ке, которая сегодня известна как Земля Констебля.
Вильям Тернер был пейзажистом, можно сказать, что его стиль положил начало импрессионизму.
Вильям Хогарт известен не только своими портретами, но также серией картин с сатирическими деталями, характеризующими английское высшее общество в 1740-е.
Томас Гейнсборо - один из самых известных портретистов и пейзажистов в Британии XVIII века. В Национальной Галерее в Лондоне вы можете увидеть красочную картину «Мистер и Миссис Эндрюс», которая является комбинацией семейного портрета и пейзажа, и темный портрет «Мистра и Миссис Уильям Халлетт», который служит примером более зрелого стиля Гейнсборо.
Уильям Блейк - английский поэт и художник. Непризнанные при жизни, сегодня его работы считаются важными в истории и поэзии, и изобразительного искусства. Его картины могут показаться необычными и фантастическими. Например, он изобразил Исаака Ньютона в виде божественного геометра.

Vocabulary:

canvas - полотно, холст
celebrated - знаменитый
depict - изображать
derive inspiration - получать вдохновение
divine - божественный
evoke - вызывать, пробуждать (чувства)
exemplify - служить примером
folk - народный
fruit of imagination - плод воображения
Horace - Гораций
landscape - пейзаж
landscape artist - пейзажист
lay foundation (for) - положить основу, начало
masterpiece - шедевр
mature - зрелый
mighty - мощный, могучий
noted - заметный, знаменитый
originate - брать начало
praise - восхвалять
predominate - преобладать
renowned - прославленный
reveal - открывать, обнажать
unrecognized - непризнанный
visual art - изобразительное искусство
world-known - всемирно известный

Answer the questions
l.What did Horace say about paintings? How do you understand his words?
2. Who is Andrey Rublyov? What is he famous for?
3. What Russian artists praised the beauty of nature?
4. What artists are called The Peredvizhniki?
5. What paintings by Ilya Repin do you know?
6. What is Ivan Aivazovsky renowned for?
7. In what museums can you see paintings by Russian artists?
8. In what museums can you see paintings by British artists?
9. What is "Constable Country"? Why is it called so?
10. Whose style has laid the foundation for Impressionism?
11. Which painter was also famous for satirical portraying of high society?
12. What is Thomas Gainsborough famous for?
13. What do you know about William Blake?
14. What are your favorite artists and why?